Soneto 19, de El rayo que no cesa

Yo sé que ver y oír a un triste enfada
cuando se viene y va de la alegría
como un mar meridiano a una bahía,
a una región esquiva y desolada.

5-Lo que he sufrido y nada todo es nada
para lo que me queda todavía
que sufrir, el rigor de esta agonía
de andar de este cuchillo a aquella espada.

Me callaré, me apartaré si puedo
10-con mi constante pena, instante, plena,
a donde ni has de oírme ni he de verte.

Me voy, me voy, me voy, pero me quedo,
pero me voy, desierto y sin arena:
adiós, amor, adiós, hasta la muerte.

LOCALIZACIÓN

Poema de Miguel Hernández. Situado a veces dentro de los autores de la “generación del 27″, por la estrecha relación que mantuvo con autores como García Lorca, Pablo Neruda o Vicente Aleixandre y algún paralelismo de su obra con la de estos, en general se le viene considerando mayoritariamente como integrante de la “generación del 36″, por su fecha de nacimiento y por la gran influencia que tuvo en él, como en los demás autores de dicha generación, la Guerra Civil.
Es el soneto número 19 de El rayo que no cesa, el segundo libro de poemas publicado por Miguel Hernández. Exceptuando los primeros, casi la totalidad de poemas que componen este libro son sonetos. Sonetos de tema amoroso, en los cuales el poeta muestra su visión particular del amor :la contradicción existente entre la lucha y deseos por conseguir relizar su amor y las barreras que se lo impiden.

MÉTRICA

Está compuesto por versos de arte mayor de once sílabas, llamados endecasílabos. Está estructurado en cuatro estrofas, dos cuartetos y dos tercetos A este tipo de composición se le llama soneto. El endecasílabo es el verso más utilizado en la construcción de sonetos.
Tiene una rima consonante ABBA, ABBA, CDE, CDE, en todo el poema.
Se ha dicho de Miguel Hernández que se servía del soneto para escribir, porque esto le permitía expresar mejor lo que quería decir de una forma aparentemente más clara. Es decir, el soneto, le permitía sintetizar en pocos versos el desbordamiento emocional y la concentración verbal.

ESTRUCTURA

El poema está estructurado en tres partes. La tercera parte, tiene, a su vez, una subparte.
A- El poeta reflexiona y admite, comprende, que es molesto ver la tristeza cuando se está alegre. (vv. 1 al 4).
B- Dice que lo que ha sufrido no es nada comparado a lo que le queda que sufrir todavía. Su sufrimiento no ha terminado.(vv. 5 al 8).
C- Se resigna a no obtener el amor y quizá para no molestar a la persona que ama y para no sufrir más, decide apartarse de ella.(vv. 9 al 1).
Lucha existente entre sus deseos y la imposibilidad de relizarlos.(vv. 12 al 14).

TEMA

El tema expresado a través del poema es que tras el sufrimiento y la lucha por conseguir el amor, el poeta se resigna a no obtenerlo, pero no a no sentirlo, a no llevarlo en su interior. Aunque decida apartarse de su amada, la seguirá amando incluso hasta después de la muerte.
La idea del amor después de la muerte es un tópico literario. El papel del hombre en la vida terrenal carece de importancia e interés. Todo lo que ocurre en ella, la felicidad, el dolor, es efímero. Lo verdaderamente importante es lo que pasará en la otra vida, después de la muerte.
Lo mismo ocurre con el amor terrenal, es placentero pero efímera, el que hace más feliz a la persona es el que vivirá después de su muerte.

ANÁLISIS DE LA FORMA PARTIEDO DEL FONDO (TEMA)

En la primera estrofa hay que destacar, en primer lugar, el “yo sé”, que indica que nos habla en primera persona,(yo) de su propia experiencia, de algo que él conoce, el sufrimiento, porque él lo ha experimentado. Hay que destacar también los verbos “ver y oír”, que volverán a aparecer en el undécimo verso. Son verbos que corresponden a dos de los sentidos más importantes, por donde percibe primero, el ser humano los estímulos. Son utilizados por el poeta para decir que cuando se ve y se oye, inevitablemente se empieza a sentir.
Los utiliza para decir que es molesto, triste, doloroso ver y oír, pensar quizá que pueda llegar la tristeza “cundo se viene y va de la alegría”,(v.2), es decir, cuando se es feliz y se va “como un mar meridiano a una bahía”,(v.3)/”a una región triste y

Utiliza aquí la comparación “como un mar meridiano a una bahía”,(v.3), para expresar que se va de más a menos, de algo grande como el mar a algo más pequeño y quizá menos importante como la bahía.
La bahía es tomada por el poeta como algo negativo, como un lugar triste y desolado porque es ahí donde el mar, algo tan grande y bello termina. También porque la bahía solo tiene el mar cuando este la baña, no en su totalidad. Simboliza, por tanto, la tristeza.

En la segunda estrofa, en el primer verso hay una antítesis, “todo es nada”, una oposición entre todo y nada, que tiene también sentido paradójico. Con ello el poeta, resalta, destaca aún más su sufrimiento porque lo compara con nada, dice que no ha sido nada comparado con lo que le queda por sufrir.
En el tercer verso cuando dice “el rigor de esta agonía”, “agonía”, es una metáfora pura. Esta agonía simboliza el sufrimiento tan doloroso que ha sufrido, sufre y sufrirá, es algo que no cesa y cada vez le hiere más.
En el cuarto verso ,”de andar de este cuchillo a aquella espada”, utiliza el nombre de dos armas que hieren e incluso pueden matar. Usa estos dos nombres para decir que va a ir de herida en herida, de sufrimiento en sufrimiento. Además va de un arma pequeña a una grande, de menos a más, lo exagera más.

En la tercera estrofa aparecen los primeros signos de ese conflicto existente entre el deseo de conseguir el amor, la felicidad y la imposibilidad de hacerlo , la manifestación por parte del poeta de que le cuesta apartarse del amor y de que aunque lo hace no renuncia a sentirlo. Para ello el poeta emplea diversos recursos:
“Me callaré, me apartaré si puedo”,(v.9)/”con mi constante pena instante, plena”,(v.10)/”adonde ni has de oírme ni he de verte”,(v.11).
Primero se resigna y decide apartarse de su lado porque comprende que no puede conseguir el amor. Cabe destacar el condicional “si puedo”, que muestra claramente que no quiere irse en realidad, que le cuesta renunciar. Pero dice que se irá con su “constante pena”, es decir, su dolor no acaba, no cambia. Además su pena es “plena”. Es decir, no renuncia a quererla, su pena, su dolor y su amor siguen intactos y los seguirá sintiendo. Sigue sintiendo amor y dolor de la misma manera, con la misma intensidad.
Vuelven a aparecer los verbos “ver y oír” esta vez en sentido negativo, en el undécimo verso: “a donde no has de oírme ni he de verte”. Quiere decir, que se irá donde aparentemente, al no verse ni oírse, ninguno de los dos sufrirá.

En la cuarta estrofa, acaba de desarrollarse el tema.
En en el primer verso reaparece esa lucha entre “irse y quedarse”, manifestada mediante la antítesis de dichos versos Además esa repetición de los verbos hace ver más claro que hay una lucha, se despide y no acaba de irse.
Finalmente, en el segundo verso parece que decide marcharse definitivamente. Y dice además, que se va “desierto y sin arena”. En desierto hay metáfora, quiere decir que se va tan sólo como un desierto, pero además sin arena. Se va como un desierto que sin arena no es ni desierto, no es nada, está vacío (paradoja.
El verso final es de despedida y encierra la clave del tema. Cuando dice “adiós hasta la muerte”, parece querer decir que se despide de ella ahora, pero espera y sabe que se encontrarán después de la muerte y podrán ser felices. También quiere decir que se estará despidiendo de ella constantemente, pero siempre la amará.

CONCLUSIÓN

Miguel Hernández, profundamente marcado por las experiencias que le tocaron vivir , tenií una visión pesimista de la vida, del amor, de la felicidad en general. En sus obras se ve esa lucha por conseguir sus deseos y la imposibilidad de obtenerlos. De esa contradicción surge la pena que es como un rayo de dolor que se clava en el corazón y no cesa el dolor. Este es el significado del título que da nombre al libro de poemas al cual pertenece este soneto.

Nivel secundaria/bachillerato

Sobre la pena duermo solo y uno,
pena es mi paz y pena mi batalla,
perro que ni me deja ni se calla,
siempre a su dueño fiel, pero importuno.

Cardos y penas llevo por corona,
cardos y penas siembran sus leopardos
y no me dejan bueno hueso alguno.

No podrá con la pena mi persona
rodeada de penas y cardos:
¡cuánto penar para morirse uno!

Miguel Hernández El rayo que no cesa

MÉTRICA

El poema es un soneto con las características propias del género, 14 versos agrupados en dos cuartetos y dos tercetos, todos ellos endecasílabos. Sin embargo la rims ofrece una peculiaridad con respecto a la rima clásica, pues el último verso de cada terceto repite la rima a que también aparece en el primer y último verso de los dos cuartetos. De esta forma, el último verso de cada una de las cuatro estrofas tiene la misma rima.
Se trata de una pequeña variante con respecto al soneto clásico. El esquema métrico y de la rima, por tanto, es el siguiente:

11A bruno
11B estalla
11B halla
11A ninguno

11A uno
11B batalla
11B calla
11A importuno

11C corona
11D leopardos
11A alguno

11C persona
11D cardos
11A uno

ANÁLISIS DE LA FORMA

“Umbrío por la pena, casi bruno…”

El poema comienza con tonos oscuros. Ya de entrada el poeta crea un ambiente sombrío, sin tintes alegres o positivos. Dos adjetivos contribuyen de modo decisivo a crear esa impresión: “umbrio” y “bruno”. Lo más significativo de ambos es su inhabitualidad. Son ciertamente vocablos no muy usuales que descubren el autor una preocupación estética especial.
El sustantivo “pena”redondea el efecto de este primer verso. Es más, los dos adjetivos están subordinados a este sustantivo. Contribuyen a que la presencia del sustantivo tenga más peso connotativo y marque con el signo del dolor el poema ya desde el comienzo.

“Por qué la pena tizna cuando estalla”

En este segundo verso del poeta aclara la asociación metafórica que ha hecho desde su interior entre pena y oscuridad. La violencia del verbo “estalla” nos indica otra pauta que va a caracterizar todo el poema, una expresividad muy vehemente.

“donde yo no me hallo no se haya
hombre más apenado que ninguno…”

En estos versos que el poeta lleva a cabo una última hipérbole en este cuarteto al establecer ante el lector las dimensiones de su pena.Unas cuantas cosas debemos resaltar de estos dos versos. Una de ellas es la sinuosa musicalidad del primero, conseguidas fundamentalmente con esas dos sinalefas:

“donde yo no me_hallo no se_halla”

El efecto es redondeado por la debilidad de las “ll” y la afinidad del sonido “y” de “yo”.
Otros aspectos destacables de estos dos versos es la ordenación sintáctica de los mismos. No se trata, en absoluto, de estructuras sintácticas habituales. No ya sólo en el lenguaje hablado con la prosa ordinaria; incluso en una poesía del siglo XX sorprende esa tortuosa moderación de la frase.
Retóricamente, estamos ante una presentación construida sobre dos formas diferentes del verbo hallar y los dos versos, en conjunto forman una perífrasis que quizá podríamos catalogar como lítote, pues, en definitiva se trata de afirmar algo (que es el hombre más desgraciado del mundo), negando su contrario (donde no está él no está el hombre más triste del mundo).
Con respecto a estos dos versos, en definitiva, podríamos concluir que hay en ellos cierta audacia formal (aunque quizá el resultado no esté especialmente logrado desde el punto de vista de su efectividad poética) y tal vez cierto eco clásico, del lenguaje del siglo de oro, quizás de la sintaxis de poemas como los de Quevedo, poeta que tanto influyó en el Miguel Hernández de sus comienzos.

La siguiente estrofa se reduce toda ella prácticamente a una nueva ponderación del suplicio del poeta. Figura en ella una comparación especialmente llamativa: la pena del poeta es como un perro fiel. A simple vista, no termina de concordar el dolor de una pena con las connotaciones afectivas que se suelen atribuir a un perro fiel (la fidelidad misma, en principio, es un valor positivo).
Éste es el indicio más claro de que el dolor del poeta está provocado por un deseo cuya satisfacción sería agradable, por un sentimiento que si se realizara le haría feliz. Como la proyección de ese sentimiento está frustrada, insatisfecha, el resultado es la pena de la que habla el poeta durante todo este soneto.
Intuimos, claro está, que el motivo último del sufrimiento del que se nos habla del poema es el amor. La naturaleza de la temática del libro de Miguel Hernández al que pertenece este poema apoya esta conclusión.

“… sobre la pena duermo solo y uno,
pena es mi paz y pena mi batalla,
perro que mí me deja ni se calla,
siempre a su dueño fiel, pero importuno…”

La otra alusión clave presente en este cuarteto para esclarecer el sentido último del soneto es, sin duda, la que hallamos en el primer verso: “duermo solo y uno“. La soledad es el auténtico origen de su dolor, y que el poeta hable precisamente de “dormir solo” nos lleva a relacionar esa soledad con el incumplimiento del amor.

En el primer terceto, el discurso del poeta cambio de tono, aunque, en lo fundamental no observamos nada esencialmente nuevo.la intención significativa es la misma que la estrofa anterior. Pero, en esta ocasión, otra clase de figuras formulan los términos del dolor delyo poético_

“… Carlos y penas llegó por corona,
Cardoso y penas siembran sus leopardos
y no me dejan bueno hueso alguno…”

Adviértase la violencia de este terceto , especialmente de los dos últimos versos, con esa personificación de las penas que “siembran” nada menos que “leopardos” y nótese también el estado en que el poeta afirma quedar tras la acción de la pena.
La corona de cardos con la que se retrata metafóricamente yo poético, nos recuerda, inevitablemente la corona de Cristo. El poeta se presenta como un Ecce homo, una alusión, más que irreverente, quizá no muy apropiada desde el punto de vista poético. Es como si el poeta llevara la cruz de su amor, con lo que estaríamos ante el tema del destino trágico amoroso que Miguel Hernández trata frecuentemente en la poesía de su primera etapa.
Tanto “cardos” como “leopardos”son metáforas que tienen en común intentar representar el desgarramiento de su dolor.

Así llegamos al último terceto:

“… no podrá con la pena mi persona
rodeada de penas y de cardos
¡Cuanto penar para morirse uno!”

La confesión de incapacidad para soportar ese dolor parece continuar esa alusión a un Vía Crucis amoros que lo llevará, sin remedio, a la destrucción y la muerte.
en efecto, en el primer verso hay una visión fatalista de la propia existencia, condicionada por ese dolor. Tanta pena y tanto “cardo” acabarán por destruir su resistencia.
El último verso llega a una conclusión. Se trata de una exclamación no exenta de cierto tono de lamento o incluso protesta.
este modo recuerda el libro del cual ésta extraído, lo enlaza con la temática dominante en El rayo que no cesa de manera definitiva.
Pero precisamente este último verso apunta quizá a algo más. La pena es amorosa, desde luego, pero esta exclamación final, tomada de lo que podríamos llamar una expresión coloquial parece darle una dimensión más amplia al dolor, como si el sufrimiento amoroso fuera sólo una parte de un sufrimiento existencial que tampoco el amor podría acallar. Y éste vendría a ser, aproximadamente, el tema del poema.

ESTRUCUTURA

Por lo que se refiere a la estructura, , hemos ido viendo, el poema se desarrolla en tres movimientos.
La primera parte la forma la primera estrofa, cuya esencia significativa es exponer la amplitud de su dolor. Podríamos redactar el subtema como la expresión de un dolor desesperado.
La segunda parte estaría formado por el segundo cuarteto y el primer terceto, donde se analiza o se desarrolla esta idea inicial con diferentes metáforas y se subraya la constancia y el desgarramiento que produce ese dolor, al tiempo que se sugiere su origen amoroso se percibe como inevitable trágico tanto sufrimiento. Diríamos que el subtema podría ser la expresión del convencimiento de un destino trágico amoroso.
Finalmente, el último terceto sería la tercera parte de la estructura del poema, que, en principio, recapitula lo que se ha expuesto previamente, pero que se cierra con un último verso que parece ampliar el sentido, la naturaleza del sufrimiento que lo abruma.encuadra el sufrimiento amoroso en ese destino trágico último que es el carácter mortal de la existencia. Podríamos decir que el subtema sería el sufrimiento amoroso como parte o como manifestación del destino trágico del hombre.

TEMA

Puesto que, según hemos ido exponiendo, todo el poema parece cobrar un sentido más amplio en su último verso, pensamos que el núcleo significativo de todo el poema se encuentra en su tercera parte, de manera que el sistema global viene a coincidir en gran medida con el subtema de ese último apartado:la vivencia del amor como expresión del destino trágico del hombre.

CONCLUSIÓN

Tanto la métrica como el estilo y la temática de este soneto se ajustan perfectamente a la temática del libro al que pertenece y a las características de esta primera etapa de Miguel Hernandez